Renaissance

Typisch

• Vier und mehr gleichberechtigte Stimmen: Die Stimmlagen Sopran (Cantus), Alt, Tenor, Bass werden zum Standard.
• Durchimitation: Jede Textzeile bekommt ein eigenes Motiv, das nacheinander durch alle Stimmen wandert.
• Wohlklang: Terzen und volle Dreiklänge; Dissonanzen werden sorgfältig vorbereitet und aufgelöst.
• Vokal: Das Ideal ist der Chor a cappella, also „wie in der Kapelle“, ohne Instrumente. In der Praxis spielten Instrumente oft mit.
• Kein Taktstrich: Die Musik fließt in ruhigem Grundschlag, ohne betonte Takte.

Gegenüber dem Mittelalter

• Statt einstimmigem Choral oder offenen Quinten: volle, weiche Akkorde
• Statt starrer rhythmischer Muster: fließende, gleichwertige Linien
• Statt anonymer Musik: Komponisten mit Namen und Ruhm
• Neben der Kirche: Musik für Hof, Stadt und Bürgerhaus

Die fünf Teile des Ordinariums

1. Kyrie „Herr, erbarme dich“ (griechisch), dreiteilig: Kyrie – Christe – Kyrie
2. Gloria „Ehre sei Gott in der Höhe“
3. Credo das Glaubensbekenntnis, der längste Text
4. Sanctus „Heilig“, mit Benedictus
5. Agnus Dei „Lamm Gottes“

Merkhilfe: Kinder Gehen Christlich Singend Aus. Die wechselnden Texte des Kirchenjahrs (Proprium) werden meist nicht mitvertont.

So bauen Komponisten eine Messe

• Cantus-firmus-Messe: Eine bekannte Melodie liegt in langen Notenwerten im Tenor und verbindet alle fünf Teile, sogar das weltliche Lied L’homme armé („Der bewaffnete Mann“).
• Paraphrasemesse: Eine Choralmelodie wird verziert und wandert durch alle Stimmen.
• Parodiemesse: Ein ganzes mehrstimmiges Stück, z. B. eine Motette, wird umgearbeitet. Das war im 16. Jahrhundert die häufigste Art.

Giovanni Pierluigi da Palestrina: Missa Papae Marcelli (gedruckt 1567)

Der Komponist der päpstlichen Kapelle schreibt klar und textverständlich. Nach einer Legende rettete diese Messe die mehrstimmige Kirchenmusik vor dem Verbot durch das Konzil von Trient.

Josquin des Prez: Missa Pange lingua (um 1515)

Paraphrasemesse über einen Hymnus. Die Choralmelodie klingt in allen Stimmen an.

Guillaume Dufay: Missa L’homme armé (um 1460)

Cantus-firmus-Messe über ein weltliches Soldatenlied. Über 40 Komponisten schrieben Messen über diese Melodie.

Merkmale

• Gliederung nach dem Text: Jede Zeile bekommt ein eigenes Motiv und einen eigenen Abschnitt.
• Wechsel zwischen durchimitierten und akkordisch-homophonen Abschnitten (alle Stimmen sprechen den Text gleichzeitig, das hebt wichtige Worte hervor).
• Meist vier bis sechs Stimmen, im Ideal a cappella. Es gibt aber auch Riesenwerke: Thomas Tallis’ Spem in alium hat 40 Stimmen.
• Der Name kommt vom französischen mot (Wort). Die Gattung gibt es schon seit dem 13. Jahrhundert, damals mit mehreren Texten gleichzeitig.

Motette oder Messe?

Beide sind geistlich und lateinisch. Die Messe vertont immer dieselben fünf Ordinariumstexte. Die Motette vertont einen frei gewählten geistlichen Text, z. B. einen Psalm oder ein Mariengebet.

Josquin des Prez: Ave Maria … virgo serena (um 1485)

Ein Musterbeispiel für Durchimitation: Die Stimmen setzen paarweise nacheinander ein, am Ende steht eine schlichte, akkordische Bitte.

Palestrina: Sicut cervus

Vertonung von Psalm 42 („Wie der Hirsch lechzt nach frischem Wasser“). Ruhig fließende Linien, die Stimmen setzen nacheinander mit demselben Motiv ein.

Orlando di Lasso: Tristis est anima mea

Der Leiter der Münchner Hofkapelle malt Jesu Todesangst am Ölberg mit dunklen Klängen und eindringlicher Textausdeutung.

Merkmale

• Meist vier bis fünf Stimmen, oft solistisch gesungen, zur Unterhaltung im kleinen, gebildeten Kreis an Höfen und in Akademien.
• Durchkomponiert: Die Musik folgt dem Gedicht Zeile für Zeile, ohne Strophenwiederholung.
• Freier als die Kirchenmusik: kühne Harmonik, Chromatik und scharfe Dissonanzen, wenn der Text es verlangt.
• Ab etwa 1600 auch mit Generalbass (Monteverdi): Das Madrigal führt direkt in den Barock.

Madrigalismen: Musik malt Worte

Einzelne Wörter werden bildhaft vertont:

• salire (steigen) → aufsteigende Linie
• cadere (fallen) → absteigende Linie
• sospiro (Seufzer) → Pause mitten im Wort
• dolore / morire (Schmerz, sterben) → Dissonanz, Chromatik
• solo (allein) → nur eine Stimme singt
• correre (laufen) → schnelle Notenwerte

Jacques Arcadelt: Il bianco e dolce cigno (1539)

Eines der bekanntesten frühen Madrigale. Bei „piangendo“ (weinend) und „morire“ (sterben) verändert sich der Klang deutlich.

Claudio Monteverdi: Cruda Amarilli (1605)

Die unvorbereiteten Dissonanzen lösten einen Streit mit dem Theoretiker Artusi aus. Monteverdi verteidigte sie: Der Text ist Herr über die Musik.

Thomas Morley: Now is the month of maying (1595)

Englisches Madrigal (genauer ein Ballett mit „Fa-la-la“-Kehrreim): leicht, tänzerisch, sofort zum Mitsingen.

Das Tenorlied

• Die bekannte Liedmelodie liegt im Tenor. Die anderen Stimmen umspielen sie kunstvoll, deshalb heißt es „Tenorlied“.
• Man konnte es mit Sängern oder mit Instrumenten besetzen, ganz nach Lust und vorhandenen Musikern.
• Gesammelt wurde in Liederbüchern, etwa dem Lochamer-Liederbuch (um 1450–1460), später in gedruckten Sammlungen.
• Gegen Ende des 16. Jahrhunderts wandert die Melodie in die Oberstimme. Unter italienischem Einfluss werden die Lieder leichter und tänzerischer.

Heinrich Isaac: Innsbruck, ich muss dich lassen (um 1500)

Isaac war Komponist der Hofkapelle Kaiser Maximilians I. Der Abschied von Innsbruck wurde so beliebt, dass die Melodie später zum Kirchenlied „O Welt, ich muss dich lassen“ wurde. Bach verwendet es in der Matthäus-Passion.

Orlando di Lasso: Audite nova (1573)

Aus den Neuen teutschen Liedlein. Es beginnt feierlich lateinisch wie ein Hymnus („Hört Neues!“) und erzählt dann derb-komisch vom Bauern, der zum Martinsfest eine fette Gans hat. Die lebendige Textausdeutung erinnert an ein Madrigal, vom Text her ist es ein deutsches Lied.

Ludwig Senfl (um 1490–1543)

Isaacs Schüler und der wichtigste Meister des Tenorlieds, z. B. „Das G’läut zu Speyer“ mit nachgeahmtem Glockenklang.